“El amor es el amor y ciego un servidor, y esta canción pataletas del corazón”. Sabíamos ya de lo agradecida que es para el cantautor la tristeza: ella, sin complejos, se desviste; él, con unos versos y unos acordes, le cuelga el abrigo. Algo así como La guapa y el ciego, sin complejos. Y es lo que hace este músico egarense en su tercer álbum. Como buen educador social canta porque tiene algo que contar, mejor dicho, secretos que cantar. Saca el corazón del cajón y voilà. Pero olvídense de poética edulcorada, sus cortes, son de puño en alto, con una prosa que las manos no se lava. Sabíamos también que el oficio exorciza las heridas y que conjura las de los demás, y el de Terrassa aprovecha para pactar con La mano que mece la luna y las cuentas saldar. Ya ven, en esta adictiva obra no hay moralina de gato por liebre ni Falsos Modales, sino una lección que aprender: “A las penas puñaladas y als disgustos, gots de vi”. Hay ganas de todo, de parrandeos, de noches de Tango de ida y vuelta. De hecho, fue una noche de tramontana y una apuesta la que le llevan soltarse la melena; luego en 2013, Sus Malas Costumbres le arrastran a Amores en la cola del paro, que quedó en maqueta. Pero 2016, se alía con Imprudentes y editan Parece Mentira. Desde entonces, la manta a la cabeza y diversas iniciativas para echar una mano a Conflictos solidarios como el Sam, Sam Festival. Y para bombear su propuesta musical este Doctor enfermo de rock, pop, tango, reggae, ska… inocula cualquier estilo Mientras pueda cantarte sus letras de arrabal como El tiempo es un placebo o Quiero llegar a las manos contigo. Contradiciendo su nombre artístico, está vez no canta sólo, sino que se reúne a 43 Imprudentes compulsivos para seguir Loqueando. Significativas colaboraciones que sellan una obra polifónica en estado de gracia, de gran audacia, intensa y bien asentada. Una grata sorpresa para correrse una buena juerga y a taconazos romper las penas. En la música hay que seguir el ejemplo en solitario de Javier Sólo, Mejor sólo y Bien acompañado (2018, Temps Record).
“¡He venido a mover y dar marcha a la fanfarria! Me fecunda la música que tonifica y cura”, así lo maulla. ¿ Y quién este que viene a alegrarnos la vida de esta manera? Pues un mamífero de la especie de felino cantautor irreverente y socarrón que empieza a ser muy respetado entre los gatos del tejado de la Mala Follá. Razones de peso le sobran. Su propuesta es viento que despeina y se va, es un sí en un no encerrado, un "Neo pop-rock yemení con ligeras pinceladas de ¿folclore infantil maldivo?”. Esperen, esperen, que me está liando, mejor me acojo a la nota de prensa para etiquetarlo. Pop rock, swing, rumba, bolero, ranchera mexicana, ¡¡ándele ya las etiquetas!! una especie de poesía mestiza, una taracea donde caben todas las piezas. ¿Les ha quedado claro? ¿¡tampoco!? Pues vayamos arañando sus letras a ver si damos con este granaíno puto y fino. Para empezar tiene Un solo corazón cargado de poesía, bohemia y humor que late al son de la ironía y la picaresca. Su estilo anarquista y arrabalero, Albaycín Sound cien por ciento, se forja en el magisterio musical de Microjachis , Viento de Levante o La Banda de Trapo hasta que con Alberto deciden tirar pa'lante en solitario. Con una estética muy personal y algo vintage -Barba Negra y sombrero porque es importarte en el mundo del arte vestirse con salero- fundan su proyecto. Su primera galleta En casa que no hay gobierno, a pellizcos se va el pan tierno, se les fue a mordiscos y alimentaron con su Canto la península Ibérica. Resultó que la música de gatos, no es solo para gatos, así que hacen campaña de mecenazgo para su segundo trabajo Yo sin Tú (2018, Altafonte). Un disco donde fomentan el salvajismo con fieros cánticos, que nos hacen reír, emocionar y reflexionar. Punkie pa'l dolor, a secas, Sin sal ni Perejil. Yugo al consumidor en Haciendo cola en el primark. Pa’l mal de amores, pellizquitos de sarcasmo en No te vayas sin desayunar o A la orillita de un río de lava, donde este animal herido La herida lava. Pero, ¡Dios le libre de estar subordinado a las ideologías o a las ordenanzas! En Vaya pollas de gobierno a caldo pone el de Graná. Y es que el Güevéjar, no ha venido a ser el mejor, ni a pisar al de al lado para ganar, como dice: “Renuncio a competir para triunfar prefiero compartir para avanzar” y es con el Kanka, el Manin y El Pau con los que adelanta tres videoclips. Con 30 años, se agarra fuerte a su autenticidad con Ya no quiero ser mayor y pone sus “ovarios” sobre la mesa para proclamar la Epistola feminista. Una nueva estrella punzante tira del carro de la verdad y con el poema de El kanka te descubro su identidad:
Ahora que el reggaetón vibra en Los Latin Grammy, El rey del party reivindica el empoderamiento de la mujer en este género. DKuBa llega este artista que desde sus inicios incorporó un Cambio Latino en sus ritmos. Sus primeros éxitos como El Baile del ocho movieron a cualquiera y hasta el Real Madrid goleó con su gozadera. Y es que su música siempre ha sido una suerte de medicina, descendiente de doctores, heredó remedios pa’ todos los dolores. “Si la vida te da dolores, si te llena de desamores yo soy experto en todos los inventos para gozar y olvidar”. Y con esta Santa Fe lanzó Esto es pa ti en 2005 y nos pegamos a su swing. Contagiados ya de su travieso flow, este compositor y productor latino, decidió cruzar el Atlántico para seducirnos en solitario. Comienza a pegar duro con su meneíto llámase El cocodrilo o El tembleque con King Africa, El helicóptero, Tu psicólogo o A lo loco, lo cierto es que su cubatón o cubanía es pura Vaselina en las pistas. Llegaron colaboraciones con Descemer Bueno, No necesito un doctor; con Céspedes, Quién será; con Katia Aveiro, Acurrúcate, que hacen después carambola en Fruto Prohibido con Soraya y en Un poco de mí con Natalia. Creador de sabrosos hits, se lo come todo y glotones como Universal Music y Sony se hacen con El Pastelito rico y caliente. Convertido en dolencia para la competencia, su estilo de distinto pelaje urbano vibra en la diferencia porque busca La Totalidad: mujeres lindas, inteligentes y simpáticas que llevan las riendas. ¡¿Excuse me?! Sí, sí, lo han oído bien, un reggaetón donde la mujer sensual, rica y peligrosa lleva el mando sin que los beats pierdan su mambo. Que te lo cuente sino Killadamente, la poderosa influencer con la que presenta su nueva producción. Las visualizaciones se mueven de lao a lao mientras DKB te invita a gozar pero Pa tu cama no.
Con talento se hace lo que se quiere pero con genio, genialidades. Y es lo que hacen estos alquimistas del rock andaluz que todo lo que tocan lo convierten en metal sonoro precioso. La nueva acometida y ya van 24, no iba a ser menos. Con casi 40 años de trayectoria y una prolífica discografía de kilates, acaban de facturar un disco deslumbrante de heavy orfebrería. Superar la calidad de su última trilogía La memoria perdida, Las puertas del cielo o Paraíso prohibido parecía una heroicidad, y, sin embargo, nos brindan otra genialidad. Una artillería de pesado octanaje y sinfónico calibre que viene a rubricar lo que ya sabemos: que son una banda superlativa, una leyenda viva del rock que con honores se han granjeado el sobrenombre de sus majestades los Rollings Stones españoles. A Medina Azahara, nadie le ha regalado nada y desde ya sus inicios han sido Libres sin nada, sin nada de la absurda parafernalia de la industria, pero con su palmarés de aupa: discos de oro, platino, Medalla de Oro de las Bellas Artes, Cordobeses del año, y un no acabar. La lucha es el motor que engrasa su portentoso rock andaluz con aromas de azahar y, el amor, la mujer y el rearme social sus estandartes. Cada disco es mejor y allí Donde sopla el viento que les permite respirar galopan robustos y musculados. El nuevo volumen, evidencia un giro hacia el metal, con emotivas baladas: Tú, Mi pequeño corazón; intensos cortes como Solo son cobardes, No mires atrás, Dame tu aire, y épico power metal en Nunca me rendiré. Está claro que estos incombustibles cordobeses, patrimonio de nuestra música, no van a rendirse. Con Brindemos esta noche brindan por la gente, por el amor de Ana y Raquel y por un mundo mejor. Mejor no lo han podido hacer coronando el álbum con glorioso corte sobre un episodio vil de nuestra fusilada historia civil. Un suceso a lo guns and roses en el que Medina Azahara cambia el fusil por la flor de la canción para rescatar las Trece rosas (2018, Senador).
“Cuanto más viajo, más se ensancha el mundo, cuanto más lejos ando, más le cojo el punto, Sed de viaje, hambre de volar”. Realidad que recorre el errante cancionero de este cantautor catalán y que obedece a la peculiar contingencia de su Andar. Todo comenzó, El día menos pensado, con un billete y un girar a otros continentes. Desde 2012, sus constantes viajes a Lationámerica han dejado su vivísima impronta en su ya peculiar idiosincrasia musical. Su noveno álbum se columpia por sugestivos paisajes sonoros de primigenia instrumentación mientras sus letras, avispadas y traviesas, serpentean vocablos autóctonos, palabras extranjeras (Ça va, com si, com çá) y hasta en francés todo un tema, La vie en bleu. Y todo, rematado con juguetonas rimas en un tiovivo de vitalidad. Es tan creativa la partitura de este compositor de genio y figura que La Rueda de la fortuna se aliado con su buena aventura. Lejos de los clixés estereotipados, su exótico ADN hace mella en el circuito cantautoril. Jugosas colaboraciones como la del argentino Sebastian Garay en el corte Empezó a Nevar o la gallega Silvia Penide en Incluso esto pasará dejan constancia de su hermanamiento global. Una sabrosura de disco que podremos escuchar en enero de 2018, y del que su sello discográfico Rosazul nos va adelantando con estudiada estrategia. No puedo revelarles más detalles, no vaya a tildarme el independiente productor de indiscreta como La ventana indiscreta, otro de sus temas. Con todo, alzo la copa y Brindo porque sí, porque hay coartada, hay motivos en esta luminosa producción que colman la Sed de viaje de Daniel Cros.
“La personalidad comienza donde las comparaciones terminan” y con esta banda mallorquina de indie rock las comparaciones se han acabado muy pronto. Tras dos EPs Hills(2013) y Kerala(2016) y su sorprendente álbum debut Mul Mul (2014), la única comparación que se sostiene con ellos es que su propuesta es tan sólida como la de las solventes formaciones anglosajonas. Prueba de ello es su magnético y nuevo larga duración. Doce cortes de creativas atmósferas etéreas, oscuras y envolventes que han hecho saltar las alarmas del panorama nacional -el internacional ya llegará porque a Suecia ya se han presentado-. Una aventura “prussiana” que cinco aventurados músicos de abigarrado mestizaje defienden con aplomo, identidad y alma -digamos ya Soul para ir sumergiéndonos en su single presentación-. Un videoclip oscuro e introspectivo que golpea nuestra psique y que sirve de gancho infalible para abrir un disco de temática reflexiva marcado por una hipnótica experimentación, atrayente sonoridad, lúcidas armonías vocales y, como seña a la que nos tiene acostumbrado el quinteto, un artwort por descifrar y un dilema que acotar: ¿Existe el Karma? Tras escuchar la obra, conocer su trayectoria y concretar el significado del término, la respuesta es “sí” y, por una vez, sin distorsiones. Tan buena onda solo puede ser efecto de lo que causan The Prussians con KARMA (2018, La Cupula Music).
¿KARMA, espléndida obra, es efecto del buen karma de The Prussians?
Dominic Massó:KARMA y todo el concepto del disco es la pregunta que lanzamos si existe o no. Nosotros a raíz de hechos históricos, de cosas que han pasado cada día dudamos muchísimo del karma, pero todos queremos que exista. Porque queremos hacer el bien y que nos vuelva. Es un concepto que planteamos en las canciones como World’s End de cómo estamos tratando el mundo y cómo el mundo nos lo está devolviendo.
Un disco muy reflexivo de una banda muy perfeccionista, hasta el punto de no publicar un anterior trabajo porque no os convencía y con un solvente Mul Mul que ahora perfeccionarías ¿Cuáles han sido los desafíos y retos que os habéis planteado y superado con KARMA?
D.M: ¡Uf!, desafíos y retos a la hora de interpretarlo en directo, es un disco muy de estudio (bases, trompetas…) con millones de cosas que debemos interpretar en directo, no podemos hacer una versión eléctrica de lo que hemos hecho. Eso ha sido el mayor hándicap. En cuanto a la composición y demás, hemos cambiado al rollo bailable guitarras, hemos querido centrar la atención en la voz para que la gente cante las canciones y haga una reflexión sobre ellas.
Respecto a Mul Mul, KARMA suena más despejado, desnudo y, a la vez, más electrónico.
D.M: Sí, sí. La cara B es más orgánica, más acústica, pero el concepto es más electrónico. Las influencias cambian y, al final, esto ha sido el resultado.
Vuestros anteriores trabajados han sido influenciados por los viajes de Dominic a Tailandia, a la India ¿qué ha sucedido en este parón para dar con un trabajo tan sorprendente?
D.M: La clave ha sido que al dejarlo con la primera compañía de management y discográfica nadie nos ponía plazos, fuimos haciendo canciones, grabándolas en casa, hasta dos maquetas de cada versión de cada canción, hasta que al año y medio fuimos al estudio, y, hasta que no hemos obtenido el resultado que hemos querido no hemos sacado nada.
The Prussians son: Ferchu (Teclados), Jorge (guitarras), Dominic (voz y guitarras), Pau (bajo) y Tino (batería).
Un grupo muy mestizo, un planeta “prussiano”. Tino, batería, de Filipinas; el bajista de Mallorca, el teclista de Argentina, el guitarrista de Perú y Dominic, vocalista, de raíces polaco germanas. ¿Cuál ha sido la aportación de cada uno en la creación de KARMA?
Tino Lucena: Dominic hace casi todo, yo he aportado algunos arreglos de batería, si algún ritmo que no me cuadraba, metía el mío y si les gustaba, para delante.
D.M: Este disco ha sido distinto. En el primero sí que yo hacía una maqueta y cada uno aportaba lo suyo, pero a raíz de Kerala y la vida laboral y la motivación de cada uno, me he encargado casi íntegramente de este. El único que grabó sus baterías fue Tino y el que más me ha ayudado es el técnico de sonido, que es gran parte del proyecto. Ha sido un disco más de maqueta en casa y luego estudio, no de local de ensayo. De hecho, estamos desde hace dos semanas ensayando los temas casi por primera vez.
Productor Pep Nadal de VAiVE audio-produccions ¿Qué tal?
D.M: Es la pieza más clave de este disco, es un miembro más de la banda.
Es hora de afrontar los enigmas que siempre planean en The Prussians: quedó pendiente el significado de Mul Mul.
T.L: En su momento dijimos que lo íbamos a decir.
D.M: Quiere decir “lamer” en filipino.
Y ¿cúal es el mensaje del monstruo de la portada a cargo de la artista Ju Mu?
D.M: Le dimos libertad a Ju Mu. Le pedimos algo que identificase a The Prussians con el primer álbum y su tipografía, pero no tan colorido, porque el trabajo es más oscuro y serio , incluso nuestra forma de vestir en los conciertos ya no llevamos estampados. Le dijimos: “Queremos algo en blanco y negro, no te comas la olla. Haz lo que quieras”.
¿Me tengo que comer la olla con estos criptogramas?
D.M: ¡No! A boleo (risas), hasta que Ju Mu venga a Mallorca y nos los explique.
Dos videoclips: Soul dirigido por Jiajie Yuyah y Karma por Sofia Martell ¿Man&Woman "have a diferents skills"?
D.M: Sí, ja, ja qué bueno. Man&Woman quiere ser una canción que apoya y alaba todas las cualidades de la mujer, era un momento de mucha presión social. La letra es difícil de comprender pero el sentido es este.
Habéis rescatado Dangerous Road aunque suena totalmente nuevo.
D.M: Correcto, únicamente la voz es la misma pista. Este tema es el favorito de Pep Nadal, quería meterlo igual pero le dimos un par de vueltas. En el disco gusta pero en directo nos gusta aún más.
¿Ha escuchado daddy el tema D for D?
D.M: No, no, no, aún no se lo he mandado.
¿Le dedicas un tema y aún no se lo has mandado?
D.M: Correcto. Tengo que preguntarle a mi madre cúal es su dirección, si vive en el mismo sitio.
¿Te puedo preguntar por qué le has dedicado una canción?
D.M: Porque hace mínimo 15 años que no lo veo. Tenía yo la edad del pavo y decidimos cortar la relación, él vivía en Alemania. Un día decidí escribir este tema y la idea es, en algún momento, mandárselo porque le gustaba mucho la música.
¿Es de suponer que te emociona el tema y que buscarás una reacción?
D.M: Hombre, he vivido siempre sin él porque siempre ha vivido fuera, pero tampoco me gustaría un día recibir la noticia de que él ha muerto. Simplemente, que hagamos las paces, no tengo que tener una relación con él, ya está.
Una película de guerra os inspiró One many war stories ¿Qué historias hay detrás de Spanish smoking girl y Call it love?
D.M:One many war stories es una historia muy profunda, habla de cómo las mujeres sufrían, ya no solo por si su marido moría en la guerra sino por las violaciones y las atrocidades que se estaban cometiendo. Spanish smoking girl y Call it love son mucho más básicas, son historias cotidianas de muchos jóvenes: salir de marcha, salir con una chica luego pasas de ella, ella no de ti… noches de locura. A veces, esas noches marcan y a la mañana siguiente cuando tienes la resaca es cuando las escribes.
¿Two stones es la continuación de A Stone?
D.M: Sí. También habla del corazón como una piedra, como dos corazones son como dos piedras que chocan, de ahí el estribillo: “We do love us/even if we fight against us”. Es una historia de amor difícil, de dos corazones que se quieren pero que se pelean.
¿Os estáis peleando en el videoclip de World’s End solicitando imágenes a los seguidores?
D.M: Ya está listo pero como Sony nos distribuye no sabíamos que no podíamos subirlo hasta que el disco estuviera lanzado. Estamos esperando un día adecuado para hacerlo. Es un video lyric de un aficionado que ganó por votación. Ahora, se están cociendo dos más y queremos sacarlos en dos meses.
A punto de cocerse son los directos, empezáis ya.
D.M:Sí, el 11 en Madrid, 12 en Valencia, 13 en Barcelona, el 19 en Mallorca… el 24 en el BIME en Bilbao…
Defender el disco en Mallorca, en casa ¿qué tal?
D.M: Es el sitio más complicado, donde más con lupa te miran. Va toda la escena musical de la isla, los que tocan en grupos y que piensan “por qué estos tocan y nosotros no”.
Porque con KARMA han saltado las alarmas.
D.M: Vamos a ver. Las críticas están siendo muy buenas pero la escena musical está muy difícil, hay mucha demanda pero también mucha oferta, el estilo ha cambiado, los formatos de promoción ha cambiado… todo.
Vamos a creer que existe el karma. Si tenemos una buena causa -un disco redondo- qué efecto positivo os gustaría que sucediera?
D.M: Es apuntar bastante alto pero, a corto plazo, poder vivir, aunque sea dos años, de los conciertos que nos pueda dar una gira y festivales para hacer y crear las canciones de un tercer álbum sin tener que estar trabajando, sino estar empapado de música, viajes y motivación. Porque para la banda el tocar poco quita motivación, el ganar poco dinero quita motivación. Poder llegar a tocar bastante como para poder vivir humildemente de ello, porque no necesitamos mucho más.
Un escenario que os gustaría defender KARMA.
T.L:Me hubiera gustado Festival de Woodstock del 70, pero ya es imposible. Ahora, en Glastonbury o Coachela, uno de estos grandes.
“Hay gente que colecciona arte, nosotros lo pilotamos y lo conducimos”, con este leitmotiv la Escudería Targa Iberia configura un espectacular evento del motor y a los hechos nos remitimos. El 28, 29 y 30 de septiembre entra en pista el Festival de la Velocidad en el circuito de Montmeló con un setup de primer nivel. Tres días de excitantes carreras, con las Blancpain GT Series en pole position, los GT’s más radicales de Aston Martin, Bentley, Ferrari, Lamborghini, McLaren, Porche, etc., seis pilotos españoles con ganas de descorchar el champán y más de 200 vehiculos para admirar. Pero si el Festival de la Velocidad de Barcelona sube al podio del motor es por ser una mega concentración para todos los públicos. Un parque temático lleno de actividades donde se visita el paddock, la sala de briefing, la parrilla de salida, etc., se disfruta de un village con tiendas, de un front row de MOD.A.S (autos de “alta costura y diseños únicos”), zona DJ..., y pruebas como el concurso de pilotaje virtual de Nissan GT Academy donde los pilotos amateurs pueden hacer sus sueños realidad. Una imbatible realidad automovilística con unas entradas a precios que ni en sueños. Desde 10 euros (menores de 12 años acceso gratuito) se disfrutará de una jornada a toda velocidad y sin salirse de pista.
Se disputarán 5 competiciones: las Blancpain GT Series Endurance Cup, las Blancpain GT Sports Club, la Porsche Carrera Cup, la France GT4 European Series y la Peugeot 308 Racing Cup. Un total de 9 carreras y 16 tandas de ensayos libres y oficiales.
Andy Soucek, Lucas Ordoñez, Daniel Juncadella, Albert Costa, Miguel Molina y Miguel Toril son los seis pilotos españoles que buscarán hacerse un puesto en la serie Endurance Cup.
MOD.A.S
MOD.A.S (Modified Audio & Style), que han ido estructurando el concepto del Tunning, reúne a todo tipo de coches, deportivos, versiones de altas prestaciones con origen en grandes series, coches americanos, japoneses, antiguos Volkswagen, incluso súper-deportivos, para celebrar la individualidad de los automóviles.
Además, una gran zona comercial, stands de automóviles con los vehículos más exclusivos, zona de atracciones, juegos…
Final de la Nissan GT Academy.
El programa de búsqueda de pilotos pionero en el mundo, la Nissan GT Academy, celebrará su gran Final Europea en el Festival de la Velocidad. Organizado por Sony Play Station y Polyphony Digital, Nissan GT apuesta por encontrar entre los mejores “gamers” de la play los futuros pilotos de competición. Los laureados viajarán al Festival de Nismo en Japón, a la sede de Polyphony Digital en Tokyo y seguirán el programa de formación de Nissan en el Training Camp de Silverstone.
“¿Por qué no? ¿Por qué no puedo hacer de mi sueño una realidad?” Es el mensaje que se inyecta cada minuto este cantautor sevillano que aprendió a soñar sufriendo y a sufrir ilusionado. Y de momento la cosa va de sueños cumplidos. Formó el grupo Sinlache en 2004 y, tras tres discos y uno de oro, en 2011 llegó el momento de continuar en solitario: “El arte vive libre, alejado de cobardes y chaquetas que olvidan el talento para vivir con sus carteras llenas”. Así que vagabundo de grandes promociones y padrinos -solo apadrinado por el crowfunding- decide hacerseIndependiente (2011). La aventura le dio, además, para calzar la campaña Nadie sin sus chanclas. Suspiros de felicidad para quien forma parte del #ClubLuchadoresdelavida, porque la suya, no ha sido una dulce melodía. Su originalidad no crece entre la malahierba de la industria y no es Ni ratón ni culebra, es una ave que busca su nido con una colorida propuesta. Después de mucha desesperación, de aprietos pero, sobre todo, constancia, el karma le recompensa con Todo va y viene. Tras su aparición estelar en La Voz 4, con su original versión de Capitán tapón que arrancó de Alejandro Sanz: “¡Coño!, la canta mejor que yo”, le llega la ocasión de saltar Más allá del infinito. ¡Qué ganitas! tenía de alimentar su verdad, de mostrar su particular voz de creación neo pop. Tras una segunda campaña de crowfunding, superar la cuarentena de la desilusión y el virus que a la música enferma, lanza 10 canciones desacomplejadas, positivas, de superación personal en las que encontramos a la Bailarina vecina; a su más sincera dama, Ella; a los amores fallidos de Caricias perdidas, pero, sobre todo, mucha Humanidad. Tal vez, lo que necesitaba este sensible cantautor era pasar de la autoestima baja a inyectarse una dosis de confianza. Algo que, por fin, se ha atrevido con su single Yo me quiero a mí. Ahora se deja querer por un público entusiasmado con su nuevo trabajo. N1 en Canal Fiesta, apadrinado por Adriático Records y con las colaboraciones estelares de Miguel Poveda y Andreas Lutz… Les sugiero que abran la puerta a la singularidad de este pirata porque Nunca es tarde para sorprenderse. Manuel Muñoz desembarca en la escena expresando la música a su manera, En Cuarentena(2018, Adriático Records).
Bienvenido a Barcelona, acabas de bajar del AVE y, como siempre, llevas una original camiseta con un piano y la inscripción Over the sky (sobre el cielo).
Sí, el piano y la guitarra van conmigo a todos lados. En Barcelona me he tenido que traer un piano más chico.
¿El Rotulking no te acompaña?
No, el de colores, no. No me han dejado.
¡No me has traído la guitarra firmada por Ricardo Arjona!
Ya, me he venido un poco más flamenco (risas).
(Vídeo entrevista)
Hablaremos de tus referentes musicales pero empecemos por el disco En Cuarentena. “En cuarentena dícese de la acción de aislar a personas o animales un período de tiempo para evitar el riesgo que se extienda una enfermedad contagiosa”. ¿Qué motivos llevaron a Manuel Muñoz a estar En Cuarentena?
El título parece un poco tétrico En cuarentena pero es muy colorido. Las canciones son muy positivas, con mensajes como querernos, no dejar nunca de intentar aquello que ansiamos conseguir. Quería transmitir que después de pasar esa cuarentena, esos momentos chungos que nos hacen perdernos y desilusionarnos, con constancia, ilusión y ganas podemos salir del bache. Por eso, esa portada. Mi expresión de cara y tanto colorido para reflejar que a pesar de pasarlo mal sigo aquí luchando por lo que quiero.
“Llantos alegrías, desesperación, amor, amistad, trabajo, constancia, agobios y tantos adjetivos y sensaciones que no podría parar…”, escribes en uno de los agradecimientos más emotivos que he leído.
No es todo tan bonito como parece, es muy complicado poder asomar un poquito la cabeza. Hay cantantes y músicos muy buenos, hay modas muy extrañas que te hacen “agacharte” un poco, porque si no vas en el camino que marcan, no estás dentro de lo que se puede vender o poner en la radio, es chungo.
Dicen que los bajones sino duelen no se aprenden.
Sí, sí, se aprende muchísimo.
“Vengo con maleta llena de aprendizajes y el cuerpo repleto de cicatrices”, y añadiría tatuajes que descifran tu filosofía de vida: “Nunca es tarde”.
Así, es.
Formaste el grupo Sinlache, después editaste tu primer trabajo en solitario Independiente y ahora En Cuarentena. Independizarse está muy bien pero ¡cómo cuesta!
Sí, muchísimo. Como siempre digo “Quién no madura, muere”. En la música me ha ocurrido eso. En Sinlache viví unos momentos muy bonitos, muy felices y cosas que tal vez no vaya a vivir nunca más, pero sí que llego el momento de decir tengo que salir de casa, tengo que aprender a hacerme la comida solo, a barrer, a ir por la bombona…”
¡Qué ganitas!
Sí, sí. Hay que aprender hacer esas cosas y me dije "tengo que independizarme musicalmente". Era un momento en que el país estaba en plena crisis, pero soy una persona que me guío por lo que siento. ¿Qué está chungo? Me da igual, vamos pa' delante con todo. Fue muy duro pero a nivel personal muy gratificante porque creo que lo que más feliz hace al ser humano es ir caminando con sus principios por bandera. ¿Qué me he equivocado? Bueno, es lo que he sentido y es lo que voy a hacer. Al final del camino, diré que he hecho y he vivido como lo he sentido, para bien o para mal. Eso es el éxito.
Estar feliz con uno mismo y, a juzgar por lo que transmites en el disco, positividad, superación personal, lo consigues.
En el single Yo me quiero a mí, he intentado plasmarlo todo. Cuando aprendemos a querernos a nosotros mismos, podemos querer a los demás y a conseguir todo. Cada canción he intentado darle un toque de alegría, solo hay una más de desamor.
¿Carícias perdidas?
Carícias perdidas no es tanto de desamor, habla más de ese amor que nos contamina y tenemos que decirle “váyase usted por ahí, que yo me valoro y sé lo que valgo”. Tal vez, con Miguel Poveda, sí que es más melancólica.
Tal vez si hubiéramos puesto más el corazón hubiéramos salvado la situación.
Sí, así es.
Pasar la cuarentena ha costado pero después no has parado de recoger sueños. Dos colaboraciones estelares, la de Miguel Poveda y Andreas Lutz.
No ve voy a resfriar ya ni… (bromea). Miguel Poveda en Tal vez, un tema más lento pero que después le dimos un toque por bulerías cambiándole el estilo, al principio era solo balada a piano.
¡El 25 de diciembre en Barcelona, bajando sólo Las Ramblas!
El 25 lo pasé aquí, yo sólo.
Ahora entiendo lo de En cuarentena.
Me dijo que el único día que podía grabar era el 26. ¡Pues nada!
Con Andreas Lutz el single.
Sí, del grupo O’Funkillo, quería hacer un rollo rap y creo que él tiene un talento y un sello especial. Yo me quiero a mí es muy alegre y positivo y Andreas le ha dado un toque más enérgico.
Cada canción es un universo sonoro y en cada una conviven estilos muy coloridos. ¿Es producto de grabar entre Sevilla y Figueres, con Jordi Cristau, sumando aportaciones?
Soy muy de eso. Intento que cada tema sea diferente al siguiente y que el disco tenga un abanico de sensaciones para que cada canción te lleve a algún sitio. Por ejemplo, Caricias perdidas no tiene nada que ver con Qué ganitas.
No, suena a chirigota.
Ahí está, un cachondeíto. Un amigo por detrás gritando.
“No te queda ná, Manuel”.
Me recordó, una vez terminado, al rollo de Los chanclas. Un tema en el que te ríes.
A cada tema insuflas el sentido de la letra. En la Bailarina, esas cuerdas que nos trasladan al punteo de la danza.
Sí, siempre que la música acompañe a la letra, lo que se está contando en cada tema.
Ardua tarea para quien “Tiene un talento especial para componer y contar historias” ¿sabes quién ha dicho esto de ti?
¿Quién?
Miguel Poveda.
¡Ah!
Algo tendrá que ver el tener referentes tan genuinos como Ricardo Arjona.
Yo de Ricardo me emborracho de todo lo que hace.
Comprobamos su influencia, sin ir más lejos, en el tema Bailarina, la suya estaba en el 5º Piso.
Tomé nota. Le escuché en una entrevista decir que los artistas deben beber de otros. Él tiene como referentes a Sabina, a Serrat. Es bonito ver algo de otro cantante que te sorprende y adaptarlo a tu sello pero sin copiarlo. Escucho a Arjona y me quedo flipando: Este tipo, ¿cómo puede ocurrírsele hacer una canción al período de una mujer con tanta elegancia? ¡Por favor! ¿¡Qué tiene en la cabeza!? O letras de Armando Manzanero “Contigo aprendí a ver la luz al otro lado de la luna”. Cuando escucho frases así no salgo de mi asombro y admiración.
Manuel Muñoz también crea frases ingeniosas: “No hay curva que me sepa marear y me aleje de su lado”. Ella, dedicado a una bella dama, tu madre.
Sí, a mi madre. Tenía muchas ganas dedicarle un tema. Ella incorpora un pasodoble gaditano y como dice no hay curva que me mareé y me aleje de ella.
Pero ha surgido una pequeña curva gaditana, ¿no?
Sí, hay una curva gaditana que me tiene…
A la que le dedicas Más allá del infinito.
Sí, pero la mama es la mama.
Pero hemos roto el tópico y, a pesar de los tiempos, uno sí puede enamorarse.
Sí. Más allá del infinito habla de eso. Todavía hay personas que alimentan ese amor verdadero, que se respeta, que te hace sentir cositas diferentes, aunque está un poquito contaminado.
Gracias de los cantautores que nos ayudáis a enamorarnos.
Sí, pero creo que todavía hay amor del bueno, ¿no?
Sí, Manuel, no vamos a estar En Cuarentena toda la vida (risas)
No, no.
Comprometido socialmente, llevaste a cabo la iniciativa Nadie sin sus chanclas con lo que te sobró del primer crowfunding.
Me harté de comprar chanclas. Parece una tontería pero llega el verano y en Andalucía hace un calor increíble.
En este disco encontramos Humanidad, ¿Qué te duele de esta deshumanidad?
Desde que estaba en Sinlache, en cada disco, hay un tema de compromiso social. En el anterior disco Independiente compuse un tema Me da pena…
"Me da pena ver la musica en la calle agonizando por una moneda que no puede más". Es la verdad.
¿Te atreverías a hacer un diagnóstico del estado de la música? Se habla de una leve recuperación en las ventas, especialmente las digitales.
Hay que avanzar con los tiempos, ahora los coches vienen sin Cd y se recurre a las ventas digitales, pero, por lo menos, se está aportando y comprando música. La gente no sabe lo que realmente cuesta y lo duro que es esto. Solamente ve lo bonito, pero si supieran el trabajo que hay detrás, desde sacar una melodía, escribir una letra, hasta grabar un disco, promocionarlo, crearlo físicamente… La gente diría ¡Hostia! Voy a comprar el disco.
Hay gente muy comprometida en vista de tus dos exitosos crowfunding. ¿Has cumplido ya alguno de los premios: concierto en el salón de casa, componer una canción…?
Sí, sí. He compuesto cuatro canciones: para una persona de Madrid, otra de Cádiz, de Barcelona y de Granada. Me pasaron su historia y la he plasmado en una canción. Han quedado contentos. Y siempre digo que conseguir el apoyo de la gente con el crowfunding, me puedo pegar con un canto en los dientes, con uno, con tres cantos, con un coche, un camión… Me puedo dar con todo en los dientes porque el apoyo es increíble.
En el segundo, la edición especial era una bolsa de Rosa Pedroche con un kit de “supervivencia del fan”.
Muy bonito, un saquito con una batería para el móvil, dos canciones inéditas, una postal, la invitación para la presentación del disco… quedó muy bonito.
Será bonito el concierto en Barcelona, en la Sala Fizz ¿no?
Tengo mucha ilusión porque sólo nunca he tocado en Barcelona, con el grupo sí que vine. Me da igual cuánta gente asista, si cinco, diez, veinte o cien, me lo voy a pasar igual de bien.
Además de tu repertorio, siempre te acompañan unos covers.
Sí, hago un mix de Alejandro...
Tan emotiva fue tu interpretación de Capitán tapón en La Voz4. que llegaste a abrir uno de sus conciertos de la gira Sirope.
Sí, siempre digo que no sé dónde vamos a estar mañana pero esos momentitos no me los va a quitar nadie. Siempre viéndolo desde casa, deseando algún día poder cantar juntos o estar con él. Esa canción la hice y la subí a internet con la ilusión de que Alejandro la escuchase algún día y, al final, mira tú por dónde, se la canté en directo. Después, estar en Madrid en la gira Sirope, en un escenario donde no he visto tantas luces en mi vida, ni en el Leroy Merlin, son momentos que no me los quita nadie.
Has desgastado muchos sueños muy rápido ¿Cuáles son los próximos?
Siempre pido salud, lo demás hay que buscarlo, trabajarlo.
¿Por qué no nos interpretas algún tema de En Cuarentena?
(Se arranca con el estribillo de Yo no me quiero a mí)
Juanes explicaba que, alguna vez, se había preguntado qué hacía él en la música, pero ¿qué hubiera sido de Manuel Muñoz sino hubiera sido por la música?
Ahora mismo estoy estudiando Técnico de Emergencias Sanitarias porque no sabemos dónde vamos a estar mañana. También quería hacer un trabajo que pudiera ayudar a los demás y fuera gratificante para mí, porque en una oficina no me veo. La música es parte de ese trabajo, estás con la gente, compartes con ellos. Y sé que si trabajase de Técnico de Emergencias Médicas la música va estar siempre. El cuartito musical que tengo en mi casa no va a caducar nunca, siempre va a estar ahí.
¿Acabamos con Capitán tapón?
Sí, no suelo hacerla con guitarra.
Actualmente para componer ¿guitarra o piano?
Con el piano, aunque saque la melodía con la guitarra. El piano es el rey, te abre mucho la cabeza para melodías… (Se arranca con la guitarra).
No es la que te firmó Ricardo Arjona pero sí de Álvaro Bernal.
Sí, le hace las guitarras también a Alejandro y a muchos artistas. Es de Sevilla, es muy amigo mío.
El luthier de los grandes artistas.
A Ricardo Arjona también le regaló una en Madrid, compinchado con Alejandro Sanz. La de Arjona la llevo también, pero hoy no podía con todo.
Si algún día necesitas otro crowfunding, con subastar la guitarra de Ricardo Arjona te llega.
"Good things come to those who wait". Bien lo sabe David Martínez que, tras trabajar muchos años por la buena salud de los espectáculos, le ha llegado el momento de hacer de Doctor Music de su propio proyecto. Con un background musical anclado en la new wave y el after punk de los ochenta, su creación sonora se caracteriza por un creativo sello de pelaje muy personal. Una bicefalia doble. Su bautismo responde a la unión del padre del psicoanálisis y a uno de los padres del rock electrónico -algo así como el cazador del psicoanálisis pero en la lengua de Shakespeare-, mientras que su propuesta es una clara confrontación de claroscuros urdida por dos Davides: Martínez y Palau. Su primer trabajo The Art Of Self Boycott, (2017), título bien explícito, nace de la necesidad de purgar, de suturar heridas, de respirar Breathing under the ocean, siempre con un destello de Candle Lights. Doce temas introspectivos y crípticos que respiran redención: Silent girl, Reasons to fall apart, Nothing but shame, Still my red light, Barcode Tattoo, Every word will stay the same. Los amores nocivos en The psyco magnet heart, Secrets about you and me y Only if we try también resplandecen. Una luz que a este cantante y compositor barcelonés pareció apagársele el 10 de enero de 2016, The Day David Bowie Died. Una oscuridad que, a su vez, le brinda un nuevo trabajo, un EP de cinco canciones donde la claridad de ideas vuelve a dejar constancia de esas atmósferas de contrastes en temas como All you ever wanted y A change of skin. Hablando de cambio de piel ¿Han deducido el nombre que recibe el alter ego musical de David Martínez? Sigmund Wilder.
Bienvenido Sigmund Wilder ¿preparado para un psicoanálisis musical?
Sí, suelo ir preparado.
Te has traído a David Martínez, supongo.
Sí, mi padre, entrará luego ja, ja.
(Vídeo-entrevista)
"Good things come to those who wait". Después de muchos años, ¿qué ocurre en 2017 para que Davíd Martínez decida crear a Sigmund Wilder, su alter ego, y curar así sus heridas?
Es una frase que resume todo lo que rodea Sigmund Wilder. Toda la vida he tocado en casa canciones de otros, he tocado con otros grupos. Fue a primeros de 2014 cuando empecé a tocar con la idea de crear y salió algo muy aceptable. A partir de ahí, seguí creando hasta las 12 canciones de The Art Of Self Boycott. Son tres años de trabajo muy al detalle, con ganas de hacer algo que estuviera bien, de no escatimar ningún esfuerzo. Tenía claro que sí decía meterme en esto a los cuarenta tenía que ser algo muy bien hecho, por lo menos a mí, como oyente, que me pareciera muy bueno.
A ti y a la crítica especializada. “David Martínez ha firmado un debut impropio de un debutante”, reseña Alfred Crespo de Ruta 66.
Qué orgullo. Comercialmente Sigmund Wilder no es que no tenga ningún éxito, es que ni se acerca a la idea de tenerlo, entre otras cosas, porque no formamos del circuito. No tenemos compañía discográfica, ni agencia de management, ni de booking, simplemente es un artista con la única intención de hacer arte. Si que he de decir que, que algunos críticos de renombre hayan escrito sobre Sigmund Wilder, para mí pesa más que cualquier éxito comercial. Son gente que nunca tienden a la alabanza gratuita, por tanto, leer algunas cosas me enorgullece.
¿Cómo se llama tu gato?
Fellini.
No soy Fellini pero quiero establecer ese efecto placebo que produce en ti para que nos cuentes qué monstruos habitan en The Art Of Self Boycott y en The Day David Bowie died.
Fellini está aún conmigo, pero cuando escribí el disco eran dos, y no quiero quitarle el mérito al otro por el hecho que ya no esté. Respecto a los fantasmas que hay escondidos en el primer disco son muchos. The Art Of Self Boycott, es lo más asertivo que se me ocurrió a la hora de definir las historias. Casi todas hablan de relaciones rotas, de frustración, de nostalgia… Giran muy entorno a ese momento en el que te preguntas por qué algunas cosas de tu vida no han ido por el camino que tú querías.
La tristeza, la saudade, es un sentimiento muy agradecido, sobre todo, para los artistas, ayuda a componer.
Sí, lo comentaba con un amigo. Le comentaba que hay cierta preocupación por el día en que las cosas en tu vida se encarrilen, me veo escribiendo cosas alegres y, no me veo. Son sensaciones muy claroscuras pero, al mismo tiempo, tienen mucho brillo, mucha luz. Al final todo en la vida es así.
En tus canciones es así, a pesar del exorcismo emocional al final hay un destello, Silent Girl, Still my red light… hay un resurgir que a nivel sonoro David Palau acopla muy bien.
Sí. Para mí uno de los puntos más interesantes del disco es que tienes canciones que a nivel de composición son oscuras, cuentan canciones complejas y, al mismo tiempo, la emoción que transmiten cuando las escuchas es muy positiva, también a nivel de producción. Uno de los roles de David Palau en Sigmund Wilder es sacar las canciones de la cueva. Todas ellas vienen de demos grabadas en el momento de esa sensación triste y lo que hace la producción es darle perspectiva. Alguien está metiendo mano en tus canciones sin formar parte de ese universo compositivo-emocional que hay detrás de la canción, con lo cual es el equilibrio perfecto. Partimos de un tema con sus emociones que, cuando termina de pasar su proceso de demos hasta que vas a grabar la producción, tienen un recorrido muy interesante. Los temas son los mismos lo que cambia es la sonoridad, esa personalidad que le da un productor que, en este caso, es uno de los mejores guitarristas del mundo, y, además, tiene un grammy como productor de David Bisbal. Tiene el don de aportarle toda la luz.
¿Te ha sorprendido como David Palau ha resuelto algún pasaje sonoro?
En todos, hay un ejemplo clarísimo en el single Only if we try, del primer disco. Todas las partes de orquestas, tanto en la introducción como en la salida del tema, es una genialidad que apareció en el estudio. Nos complementamos muy bien a la hora de acoplar las ideas. Fue el momento más especial.
El nombre ya lo dice Only if we try.
Only if we try no deja de ser un tema tristísimo, pero los mensajes que transmite son muy positivos. El personaje que está hundido en la nostalgia pero que, al mismo tiempo, se dice podremos con todo pero solo si lo intentamos. La producción de David Palau es magia, es productor y mago.
Conceptualmente ¿cómo definirías el sonido de Sigmund Wilder con sus referentes en la new wave y en la post punk británica?
Se me hace muy difícil. Para mí esas dos palabras mágicas: new wave y si le añadimos “británica” yo ya me rindo. Si escucho los discos de Sigmund Wilder tengo sensaciones muy parecidas a las que tenía cuando escuchaba algunos discos de esa época. Incluso de grupos que han salido en los últimos 15 años como Interpol o The Editors, me siento muy identificado.
Sigmund Wilder tiene una voz más profunda, más gutural, me ha recordado más a Leonard Cohen o al líder de Bahaus.
A Peter Murphy. La verdad es que me he pasado media vida respondiendo a la pregunta “si eres locutor” y, es curioso, porque soy licenciado en periodismo y era uno de mis objetivos. Pienso que es una suerte tener una voz que te distingue. Hay mucha gente con la que me identifico -no que me equiparo, porque sería pecar de humildad- como por ejemplo Peter Murphy, Nick Cave, Leonard Cohen… la de tardes en mi vida que me he paso escuchándolo. Para mí son ídolos.
La voz te define más que tu huella dactilar, explicaba un especialista. Tienes algo ya muy ganado.
Tengo la suerte que es la que me dieron. Si hablamos de Tribute bands, que está muy al orden del día, se puede tocar como The Edge salvando las distancias, tocar el bajo como Simon Gallup y dar el pego, está bien, ya digo, salvando las distancias. Pero cantar como Bono, es imposible, cantar como Robert Smith, es imposible… Al final lo que distingue a un Tribute band de una banda original es la voz. La voz es la personalidad de la banda. Y como esas frasecitas que corren por ahí si la vida te ha dado limones, haz limonada.
Sigmund Wilder, en el Festival de Pedralbes, el 20 de junio, previo al concierto de Elvis Costello & The imposters.
Es un orgullo increíble. No puedo estar otra cosa que agradecido y súper feliz. Recuerdo el momento en que colgué el teléfono y me vino a la cabeza todas las veces que lo he visto en directo, sus discos, hay uno que me encanta Punch the clock, de los ochenta. Son de esos momentos en que te das cuenta que tienes más que la mayoría de los grupos que intentan hacer cosas, y, lo único que puedo hacer es estar agradecido de que entre tantas propuestas se hayan fijado en esta.
Sin seguir los circuitos del mainstream.
El conseguir sacar adelante este proyecto de forma independiente, sin ningún apoyo ni institucional ni de ninguna compañía, te supone una serie de desventajas porque si no estás dentro hay cosas a la que es muy difícil optar pero, al mismo tiempo, te da la absoluta libertad de hacer tu arte como te dé la gana, de trabajar con quién te dé la gana, de elegir la portada… de tomar tus decisiones respecto a cada detalle de todo. Hay una cosa que digo siempre respecto a un salto al mercado. Estaré encantado de contar con una compañía de discos que lo distribuya, así como que vendamos doscientos mil discos, de lo que no estaré encantado es que alguien quiera condicionar el arte que hacemos. Por eso, un poco el proceso este de “vamos a salir vamos, a contar quiénes somos y esto es lo que somos”. A partir de aquí si alguien lo quiere aquí estamos.
He recordado la frase: “El miedo sale a buscar el valor sabe esperar”.
¡Qué buena!
Hablabas de las portadas ¿qué inspiró la The Art Of Self Boycott.
Surgió de manera espontánea, en un cambio de vestuario el fotógrafo quiso captar el instante de cambio de suéter. Cuando me la enseñó vi claramente que sería la portada. Transmite el bipolarismo. David Martínez aparece con el pseudónimo de Sigmund Wilder, y este es un colectivo al que pertenezco yo, David Palau, todo el mundo que ha aportado un grano de arena para que esto funcione. Desde hoy tú también eres Sigmund Wilder, bienvenida a la familia.
The Day David Bowie Died, la espalda desnuda de una mujer, aquí hay tela que explicar.
Sí, El día en que muere Bowie es un día que para mí cambio la historia de la humanidad. Murió el artista más grande que ha existido jamás. Cada cosa que hizo es una fuente de aprendizaje, para mí murió el referente. Tuve la suerte de verlo varias veces en directo, cualquier palabra que utilice para describir lo que el arte de David Bowie ha supuesto en mi vida se quedará muy corta. La canción esconde una historia que sucede el día que murió David Bowie.
¿Es la que refleja el videoclip?
No, por un motivo. Al equipo que produce nuestros vídeos intento no condicionarlo en nada porque pienso que todas las aportaciones externas enriquecen el arte de cualquier artista.
¿Qué te sucedió ese día?
Es una canción que habla de una historia de amor que nace el día que murió David Bowie. Es difícil de ver porque escribo de manera muy críptica, basando las letras en transmitir sensaciones, cuento más sensaciones y emociones que historia. Describo las emociones que tuve cuando viví la historia de la que hablo y de la que no hablo en la letra. Esto permite que el oyente puede escuchar la canción hacerla suya y sentirse identificado. La portada tiene muchas lecturas, sale de espaldas pero hay un gesto en su cabeza de girarse. Lo dejo al aire para que cada uno la haga suya.
Que cada uno escuche los discos, interiorice las canciones y cauterice sus heridas.
Tal cual, es el poder terapéutico de la música.
Contigo lo ha conseguido.
Cien por cien. Estas y todas las canciones. Bien todas, no. Con todos mis respetos no sé qué poder curativo puede tener Tengo un tractor amarillo.
Si en un momento de pena te produce alegría algo ha sanado.
Y, quién sabe si en tu pasado has tenido uno y no te acuerdas… sería psicoanálisis.
Te parece que hagamos un test de psicoanálisis musical para conocer mejor a David Martínez.
Adelante.
La canción que te hubiera gustado componer.
Push the sky away, de Nick Cave.
El mejor concierto al que has asistido.
David Bowie, julio 1997, Zaragoza. Es la primera que tuve ocasión de verlo y me explotó la cabeza. Recuerdo cuando apareció solo en el escenario interpretando Quicksand, guitarra y voz, me di cuenta que el universo era mucho más grande de lo que yo creía.
El mejor estado para componer.
El desamor y la ira.
Y el mejor momento.
De madrugada.
¿Qué te saca de tus casillas en la música?
La falta de humildad. El arte crea circunstancias y situaciones que ponen en bandeja la falta de humildad. Eso te aleja del arte. Es tan importante darle el protagonismo a las canciones, al arte. ¡Gracias canciones, gracias Sigmund Wilder por elegirme a mí!
¿Cuál es la lección más importante que te ha enseñado la música?
La capacidad que tiene de unir a las personas. Juntar a sesenta mil personas sin que nadie se pelee ni se insulte. Por ejemplo, los deportes, concretamente el fútbol, genera mucho entusiasmo e euforia pero no consigue unificar a las personas, siempre hay unos contra otros… incluso hay enfrentamientos internos. Creo que nada consigue unir a las personas como la música.
Un mantra para los momentos difíciles.
Only if we try.
La última vez que hay dicho “Te quiero”.
¡Uf! Lo digo con frecuencia, de forma muy selecta, a muy pocas personas, pero cuando quiero a alguien no tengo problema en decirlo, es más, lo necesito. Probablemente a David Palau, es que lo quiero.
¿Que te gustaría que sucediera a Sigmund Wilder?
Que llegara a mucha gente, por el éxito de las canciones.
Tu último descubrimiento musical.
Este fin de semana, en el Primavera Sound, un grupo llamado Car Seat Headrest que me hicieron flipar. Y un tipo que he admirado toda la vida pero que considero un descubrimiento reciente es Coque Maya. Lo que está haciendo en los últimos años me parece brutal.
También te parece brutal Cristina Rosevinge.
Sí, me parece una artistaza, la sigo desde que era adolescente. No llegué a conectar con el proyecto que tenía con Alex, pero desde su primer disco en solitario, Desde que me parta un rayo y Mi pequeño animal, me parece que es una artista que ha sabido mantenerse muy auténtica siempre. Gente como ella, como Mikel Erentxun, Bunbury o Coque Maya son referentes, no porque su música me influya sino porque son artistas que se han mantenido auténticos a su propuesta.
Hay momentos para la música fast food y otros para la música atemporal, obras que te remuevan por dentro.
Tengo que probar el fast food algún día, pero es que el cuerpo no me lo pide. ¿Hablamos de McDonalds musical?
Sí, también hay que soltarse, no todo es sangre y vena.
No, no, evidentemente, pero es que valoro mucho a los artistas que transmiten emociones.
1075, David Martínez-2017, Sigmund Wilder ¿qué le dicen el uno al otro?
Sigmung Wilder pide salida. Hay un momento en que hay toda una serie de inquietudes, de emociones, de vivencias que piden salir. Llama a la puerta y dice David…
¡Deja de boicotearte!
Tal cual. Sí. Me propuso asociarnos y de crear algo que sirviera para canalizar todas estas cosas. Un experto en psicoanálisis me comentaba que lo bueno de los procesos creativos es que cuando dejas que las cosas fluyan lo que estás haciendo es pasarlas del inconsciente al consciente, a partir de ese momento deja de estar escondido y forma parte de tu realidad. Lo que hicimos entre Sigmund y yo me ayudó a sacar las historias y plasmarlas en canciones. En el momento que se pueden escuchar en las plataformas digitales ya es propiedad de todos, entiendes que los fantasmas se han ido a buscar a otro.
Sigmund ha transformado a David.
Desde esa escucha soy mucho más feliz.
¿No tendremos que esperar otro hecho luctuoso para un tercer disco?
No, no. Aunque en los próximos años viviremos muertes muy duras por una cuestión cronológica natural. Estoy escribiendo el segundo disco, haremos la nueva entrega en 2019 y hay sorpresas.
